임채홍

2025
Projects
2023 Thesis Presentation
Projects
2026 Centrifugation 이후, 조형공장에서 계속되는 난파선 만들기와 Melting Point Study에서 우리는 내가 아니다
Group
2025
Group
 2025
 Downtown Noise
Group
 2024
Group
 2024 Laborers
Group
 2024
Group
 2023
Non Fungible Art
Group
 2022
Waiting Room
Group
 2022 물고기 도둑의 알 수 없이 사라진 가위질
Group
 2021
전남국제수묵비엔날레: 바람과 수묵 깃발전
Group
2025 나그네의 외투
Projects


















〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵담채, 가변 크기
Sky, 2025, Ink and color on jangji, Dimensions variable

《나그네의 외투》

2025. 10. 18. – 11. 9.
부피 (서울시 종로구 창경궁로35길 39-13 옥상)
작가
서문
그래픽 디자인
사진
전시 설치


주최


 임채홍
최지희
김경수
지윤구
강주홍
김다솔
김해성
부피

 이야기의 잘 알려진 결말에서 해는 나그네의 외투를 벗기고 북풍과의 내기에서 이긴다. 그러나 이 승패에 작용한 것은 단지 해의 설득만이 아니다. 차가운 바람이 멈추었고 햇빛이 계속될 것이라는 가정, 겉옷을 벗어 손에 들기로 한 결정, 외투를 벗는 행위에는 나그네의 판단이 개입되어 있다. 어쩌면 이 이야기는 「북풍과 해님」의 힘겨루기가 아니라, 변화하는 해와 바람이 존재하는 길 위에서 변화하는 ‘나그네의 이야기’로 읽을 수 있다. 전시 《나그네의 외투》는 해와 바람이 있는 옥상을 나그네의 여로에 비유한다. 임채홍이 능동적인 물질로 보는 한지를 매체 삼는 ‘한지 회화’는 ‘나그네’가, 그 회화를 ‘관습으로 바라보는 틀’은 ‘나그네의 외투’가 된다.

한지는 흔히 전통 회화의 관념적 재료로 여겨진다. 하지만 전통성이 한지가 가진 전부는 아니다. 한지는 펄프가 아닌 섬유질을 주 재료로 삼는다. 굵은 조직을 가지기 때문에 이들의 느슨한 엮임 사이로는 빛이 쉽게 투과되고 따라서 한지는 투명성을 가지게 된다. 안료는 겉에 발리는 것이 아니라 물과 함께 조직을 매우며 통제할 수 없이 스미고 번진다. 덧칠해진 안료는 종이의 내부에서 섞인다. 한지는 섬유질의 엮임으로 이루어지지만 캔버스와 같은 천이 아니다. 따라서, 유연하고 질기지만, 구겨지고 접히면 비가역적인 시간의 흔적이 남는다. 작가가 ‘양면 회화’라고 부르는 그의 작품은 이러한 한지의 물성을 통해 구현된다. 

물성과 관념성이라는 두 가지의 성질의 관계는 전시에 걸린 〈하늘〉 연작에서도 드러난다. 작가는 ‘이상적 자연관, 원법·준법으로 귀결되는 전통 화론’에 의문을 가진다. 도시화와 기후 위기라는 오늘날의 생활상과 괴리되기 때문이다. 하지만 그럼에도 불구하고 작가는 한지의 물성에 매력을 느낀다. 작가는 〈하늘〉 연작에서 전통 화론에 따라서라면 여백으로 남겨야 하는 하늘만을 전폭에 담는다. 한지라는 매체가 가진 물질과 관념 사이에서 그가 거부하고 수용하는, 비동의와 동의가 교차하고 충돌하는 관계와, 이를 결정하는 그의 고민이 드러난다. 이러한 고민을 연장해 전시 《나그네의 외투》에서 작가는 〈하늘〉 연작을 옥상에 ‘행잉’한다. 전통 화론에서 벗어나, 실재하는 환경의 조건과 상응하며 작품이 변화하는, 다중 시점의 한국화를 그리는 새로운 화법을 실험한다.

이곳에서 〈하늘〉은 프레임을 벗고 하늘에 걸린다. 프레임이 부여하던 전면성에서 벗어나 온전한 양면으로 거듭난다. 바람에 의해 흔들리고, 다시 구겨지고 펴지며, 변화하는 습도와 온도, 빛과 바람을 만난다. 옥상에 존재하는 하늘과 이곳을 찾은 관객의 움직임에 영향을 받으며 다른 모습으로 변해간다. 쬐는 햇빛에 외투를 벗은 나그네처럼, 자신의 외부와 스스로 관계를 맺으며 영향을 받는다. 옥상 위에서 한지는 더 이상 한국화의 관념적 재료나 회화의 평면이 아니라 햇빛과 바람, 시점과 시간, 그리고 우리의 움직임에 따라 변화하는 ‘달라지는 장소’가 된다. 변화하는 한지처럼 회화 또한 바람에 따른 미세한 흔들림에 매 순간 구성이 바뀐다. 회화는 결과물이 아니라 진행 중인 장면으로 선다. 역설적이게도, 이곳에서 절대적인 것은, 모든 것은 변화한다는 절대성의 불가능이다. 그러니, 작품 사이를 걸으며 〈하늘〉의 비침과 겹침과 주름의 변화를 자신의 움직임과 함께 읽어내고, 변화와 공존을 체득할 수 있길 바란다.

— 전시 서문 발췌
The Traveler's Cloak

October 18 – November 9, 2025
Boofy (Rooftop, 39-13 Changgyeonggung-ro 35-gil, Jongno-gu, Seoul)
Artist
Text
Graphic Design
Photography
Installation


Organized by 


Lim Chaehong
Choi Jihee
Kim Gyeongsu
Ji Yungu
Kang Joohong
Kim Dasol
Kim Haeseong
Boofy

In the well-known ending of the tale, the sun makes the traveler take off his cloak, winning the bet against the North Wind. However, this outcome is not determined by the sun's persuasion alone. The assumption that the cold wind has ceased and the warmth will continue, the decision to remove the coat and carry it—the traveler's own judgment intervenes in the act of taking off the cloak. Perhaps this story can be read not as a tug-of-war between the North Wind and the Sun, but as the 'traveler's story,' adapting on a path where shifting sun and wind coexist. The exhibition The Traveler's Cloak likens the rooftop, exposed to the sun and wind, to the traveler's journey. The 'hanji painting,' utilizing hanji—which Lim Chaehong views as an active material—becomes the 'traveler,' while the 'framework of viewing the painting through convention' becomes the 'traveler's cloak.'

Hanji is commonly regarded as an ideological material in traditional painting. Yet, its traditional nature is not all it possesses. Hanji's primary component is fiber, rather than pulp. Because of its coarse texture, light easily passes through its loose weave, granting the material transparency. Pigments do not merely sit on the surface; they fill the structure alongside water, seeping and spreading uncontrollably. Overlaid pigments blend deep within the paper. Though composed of woven fibers, hanji is not a fabric like canvas. Thus, while it is flexible and durable, crumpling or folding it leaves irreversible traces of time. The works the artist refers to as 'two-sided paintings' are realized through these exact physical properties of hanji.

The relationship between materiality and ideality is also evident in the Sky series shown in the exhibition. The artist questions 'traditional painting theories that culminate in an idealized view of nature and established techniques of perspective and brushwork.' This is because they are detached from today's lived realities, such as urbanization and the climate crisis. Nevertheless, the artist remains captivated by hanji's materiality. In the Sky series, the artist fills the entire surface exclusively with the sky—a space that, according to traditional theory, should be left blank. Between the material and the ideological dimensions of the hanji medium, the intersecting and colliding relationship of what he rejects and accepts, his disagreement and agreement, and the deliberation driving these choices are revealed. Extending this contemplation into the exhibition The Traveler's Cloak, the artist 'hangs' the Sky series on the rooftop. Breaking from traditional theory, he experiments with a new visual language for multi-perspective Korean painting, one where the artwork transforms in dialogue with actual environmental conditions.

Here, Sky sheds its frame and is hung in the actual sky. Freed from the frontality imposed by a frame, it is reborn as a fully two-sided entity. Swaying in the wind, crumpling and unfolding, it confronts shifting humidity, temperature, light, and wind. It morphs into different states, influenced by the rooftop sky and the movements of visiting audiences. Much like the traveler removing his cloak in the blazing sun, the work establishes a relationship with its exterior and is shaped by it. On the rooftop, hanji ceases to be an ideological material of Korean painting or a flat pictorial surface; it becomes a 'changing place' that shifts according to sunlight, wind, perspective, time, and our movements. Just like the changing hanji, the composition of the painting alters every moment with the subtle tremors of the wind. The painting stands not as a final product, but as an ongoing scene. Paradoxically, the only absolute here is the impossibility of absoluteness—the fact that everything changes. Thus, as one walks among the works, it is hoped that one can read the shifting reflections, overlaps, and wrinkles of Sky in tandem with their own movements, ultimately experiencing change and coexistence.

— Excerpt from the exhibition foreword
2023
Thesis Presentation
Projects




〈공〉, 2023, 장지에 수묵, 각 100 × 100 cm
Ball, 2023, Ink on jangji, 100 × 100 cm each
〈(Un)Folding〉, 2023, 단채널 비디오, 00:13, 루프, 1000 × 1000 px (1:1)
(Un)Folding, 2023, Single-channel video, 00:13, loop, 1000 × 1000 px (1:1)


〈먹구름〉, 2023, 장지에 수묵담채, 각 196.5 × 135.5 cm
Dark Clouds, 2023, Ink and color on jangji, 196.5 × 135.5 cm each


〈먹구름〉, 2023, 장지에 수묵담채, 가변 크기
Dark Clouds, 2023, Ink and color on jangji, Dimensions variable
2026 Centrifugation 이후, 조형공장에서 계속되는 난파선 만들기와 Melting Point Study에서 우리는 내가 아니다
Group






《Centrifugation 이후, 조형공장에서 계속되는 난파선 만들기와 Melting Point Study에서 우리는 내가 아니다》

2026. 6. 3. – 6. 21.
옥상팩토리 (서울시 송파구 법원로4길 5 B1)
작가




기획
서문
그래픽 디자인
사진
주최
유형우
이연진
이오이
임채홍
조성재
이윤서
이윤서
인현진
양이언
옥상팩토리
작가들은 끊임없이 대화를 나누면서 서로의 작업 방식과 생각을 공유했다. 하지만 오히려 그 과정에서 소통이 끝내 완전히 이루어질 수 없다는 사실을 더욱 크게 마주하게 됐다. 더 많이 설명하고 이해하려 할수록 서로 다른 감각과 방식의 간극은 오히려 선명해졌다. 우리는 어디까지 서로를 용인할 수 있을까? 협업은 과연 긍정적인 것인가, 혹은 통제되지 않는 관계를 감당해 내는 과정인가? 불합치와 긴장감이 감도는 협업 속에서 작가들은 서로 간의 개입에 의해 자기 통제를 벗어나고 변형되는 순간을 맞닥뜨렸다. 뺏고 빼앗기고, 해체하고 덧붙이는 순간들... 서로의 살점을 걷어내자 오히려 각자의 습성과 욕구가 더 선명하게 드러나는, 모순적인 해체의 장이 펼쳐졌다.

작업실에서의 작업 형태는 전시 공간으로 이동하면서 필연적으로 분절되었고, 그 과정에서 완전히 다른 모습으로 변했다. 어느 위치에 작업을 둘지, 어떤 방향으로 걸지, 무엇을 남기고 지울지를 두고 끝없이 이야기를 나누었다. 그리고 공동 작업실 바닥에 남아 있던 흔적들을 보여주기 위해서 장판 그대로 전시 공간으로 가져왔다. 작업을 옮기며 생긴 자국과 나사 구멍들은 지우지 않기로 한 이유는 이미 지나간 선택과 고민, 실패한 흔적들 역시 이 전시의 일부라고 생각했기 때문이다. 하지만 어쩌면 우리는 아직도 공동 작업실 장판 위에 올라서 있는지도 모른다.

끝없는 대화를 통한 이해의 과정 속에서, 서로 간의 오해를 풀며 침범의 행위를 용인하기도 하고, 때로는 받아들이기 힘든 지점을 삼켜내기도 하면서 행위와 현장성을 전시 공간에 드러내 보이고자 했다. 하지만 화이트 큐브 속으로 들어온 순간, 우리는 '완결'의 미학에 자연스럽게 동화된 듯 보인다. '완결'된 듯 잠시 멈춰 있는 작업들은 얼기설기 서로 엮여 있으면서 동시에 다음으로의 움직임을 기다리고 있다. 이번 전시가 완전히 정지된 이미지처럼 보이지 않기를 바랐고, 끝없이 변형되고 흔들리는 상태 자체를 붙잡아두고 싶었다. 하지만 이번 전시에서도 어느새 완결로 향하는 대화를 나누게 되었다. 과정 중심의 전시를 내세웠으나, 어쩌면 우리는 다시금 완결된 형태를 무의식적으로 찾고 있었는지도 모른다.

— 전시 서문 발췌
After Centrifugation, the Ongoing Shipwreck Making and Melting Point Study at the Sculpture Factory: We Are Not I

June 3 – June 21, 2026
Oksang Factory (B1, 5 Beobwon-ro 4-gil, Songpa-gu, Seoul)
Artists




Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Organized by Ryu Hyeongwoo
Lee Yeonjin
Lee Oee
Lim Chaehong
Cho Sungjae
Lee Yoonseo
Lee Yoonseo
In Hyeonjin
Yang Ieon
Oksang Factory
The artists constantly conversed, sharing their working methods and thoughts. However, through this very process, they confronted the reality that complete communication is ultimately impossible. The more they tried to explain and understand, the clearer the gap between their differing senses and methods became. How far can we tolerate one another? Is collaboration truly positive, or is it a process of enduring an uncontrolled relationship? Amidst a collaboration filled with discord and tension, the artists encountered moments where mutual intervention pushed them beyond self-control and into transformation. Moments of taking and being taken from, dismantling and adding on... As they peeled away at each other's flesh, a contradictory field of deconstruction unfolded, where individual habits and desires paradoxically emerged with greater clarity.

The form of the work in the studio was inevitably fragmented as it moved to the exhibition space, transforming into something entirely different along the way. They debated endlessly over where to place the works, which direction to hang them, and what to leave or erase. Furthermore, to reveal the traces left on the floor of the shared studio, they brought the linoleum flooring itself into the exhibition space. They decided not to erase the marks and screw holes made while moving the works, believing that past choices, agonies, and traces of failure were also part of this exhibition. Yet, perhaps we are still standing on the linoleum floor of that shared studio.

Through a process of understanding driven by endless dialogue, they sought to reveal the performative acts and site-specificity within the exhibition space—clearing up misunderstandings, tolerating acts of encroachment, and sometimes swallowing hard-to-accept differences. However, the moment they entered the white cube, they seemed naturally assimilated into the aesthetics of 'completion.' The works, paused as if 'completed,' are loosely intertwined while simultaneously awaiting their next movement. They hoped this exhibition would not appear as a completely static image; they wanted to capture the very state of endless transformation and wavering. Yet, even in this exhibition, they found themselves conversing toward completion. Though they championed a process-oriented exhibition, perhaps they were unconsciously seeking a completed form once again.

— Excerpt from the exhibition foreword
2025 Support and Gesture
Group











〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵담채, 각 187.2 × 129.1 cm
Sky, 2025, Ink and color on jangji, 187.2 × 129.1 cm each




〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵담채, 각 29.7 × 21 cm
Sky, 2025, Ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm each

《지탱과 제스처 Support and Gesture》

2025. 4. 29. – 5. 11.
팩션 (서울시 성북구 삼선교로 78 B1)
작가

기획
서문
그래픽 디자인
사진
전시 설치



신종찬
임채홍
강주홍
강주홍
김경수
권오열
유형우
 본 전시의 뼈대는 움직임에 따라 무대 위에 잠정적 공간을 그려내는 무용수의 편재적인 몸짓에서 착안하였다. 《Support and Gesture 지탱과 제스처》는 매 순간 선과 면의 콤포지션을 만들어내는 무용수의 신체 및 시간 원리를 토대로 두 작가의 작업을 통찰해 보고자 한다. 보다 구체적이고 입체적인 동작의 재현을 위해 쓰임 되어 온 무용 기보법 체계를 통해 임채홍의 종이접기 방법론을 살펴보고, 무용수가 자신의 몸을 훈련하는 일련의 과정과 수행을 통해 신종찬이 구축하는 회화-조각의 논리를 들여다본다.

임채홍은 한지를 주된 재료로 하여 이에 관한 물성 실험들을 토대로 생동하는 회화적 가능성에 주목한다. 한지에 물과 안료를 스미면서 종이가 이완-수축을 반복함에 따라 동반되는 운동성, 종이를 접었다 펼치는 과정에서 수반되는 잠재적인 공간성, 종이의 앞면과 뒷면을 왕래하며 목격하게 되는 종이의 다면성과 같이 작가가 탐구하는 것은 평면의 본성 일부를 탈각시키거나 일으켜 세우는 데에 있다. 또한 작가가 어떤 형태를 재현하기 위해 따르는 혹은 따르지 않는 종이접기 인스트럭션은 안무가가 무용수에게 전하는 디렉션의 형식과 제법 닮아 있다.

무용수가 팔을 굽히고 펼치고, 무대 위에서 배회하고 정지하는 행위들은 그곳의 환경을 환기하는 것에도 제 몫을 더한다. 신체 움직임이 무대 공간의 규격과 모양을 재고해 볼 수 있는 단서가 되는 것처럼, 임채홍은 '종이'라는 장소를 접었다 펼치는 동작의 시간 동안 나타남과 사라짐의 공간화를 경험한다. 이후 최종적으로 펼쳐낸 임채홍의 평면에는 얽히고설킨 수많은 궤적들이 축적되어 있다. 손안에 종이를 쥐고 동그랗게 말아 구기거나, 반듯하게 접었다 펼친 면과 면 사이 움푹 패인 가느다란 주름에는 보다 짙은 농도로 채색된 '플로어패턴'이 남는다. 다차원적 시점에서 움직임이 작성된 문서처럼 말이다.

전시는 '움직임이 작성'되고 '움직임을 작성'한 두 작가의 기하학적인 문서를 열람한다. 공연이 진행되는 동안 무용수가 무대에서 운용하는 시공을 동시적으로 펼쳐낸 것과 같이 두 작가는 수직선과 수평선에 따라 동작들을 구조화함으로써 움직임의 흐름을 상세하게 기술하고 있다. 아감벤의 용어에 따르면 춤은 '그 어떤 것(whatever)'의 상태이다. 움직임의 다섯 가지 요소-신체 Body, 행동 Action, 공간 Space, 에너지 Effort, 형태 Shape-는 그 무엇과도 조직화될 수 있는 가능성, 여러 종류의 수행을 가능케 할 잠재성을 담지한다. 의심할 여지 없이, 전시에서는 스스로를 숨기지 않는 물질들의 내밀함과 개별의 움직임이 뱉어내는 미세한 소리가 곳곳에 나직이 진동하고 있다. 두 작가의 작업을 연동하며 조형적 형식의 다양한 가능성을 열어다 줄 실마리를 찾길 바란다.

— 전시 서문 발췌
Support and Gesture

April 29 – May 11, 2025
Faction (B1, 78 Samseongyo-ro, Seongbuk-gu, Seoul)
Artists

Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Installation



Shin Jongchan
Lim Chaehong
Kang Joohong
Kang Joohong
Kim Gyeongsu
Kwon Oyeol
Ryu Hyeongwoo
The framework of this exhibition is inspired by the omnipresent gestures of a dancer drawing a provisional space on stage through movement. Support and Gesture aims to gain insight into the work of the two artists based on the physical and temporal principles of a dancer who creates compositions of lines and planes at every moment. Through the system of dance notation, which has been used to reproduce more concrete and multidimensional movements, we examine Lim Chaehong's paper-folding methodology, and look into the logic of painting-sculpture constructed by Shin Jongchan through a series of processes and performances in which a dancer trains their own body.

Using hanji as his primary material, Lim Chaehong focuses on the vibrant painterly possibilities based on material experiments. The motility accompanying the paper's repeated relaxation and contraction as water and pigment permeate the hanji, the potential spatiality entailed in the process of folding and unfolding the paper, and the multifaceted nature of the paper witnessed while traversing its front and back—what the artist explores lies in shedding or raising a part of the flat surface's nature. Furthermore, the paper-folding instructions the artist follows or disregards to reproduce a certain form closely resemble the format of directions a choreographer gives to a dancer.

The acts of a dancer bending and stretching their arms, roaming the stage, and coming to a halt also play a part in evoking the environment there. Just as bodily movement becomes a clue to reconsider the specifications and shape of the stage space, Lim Chaehong experiences the spatialization of appearance and disappearance during the time of the action of folding and unfolding the site called 'paper.' The flat surface Lim ultimately unfolds accumulates numerous intertwined trajectories. Holding the paper in hand and crumpling it into a ball, or in the thin, recessed wrinkles between the planes folded neatly and then unfolded, a 'floor pattern' painted in a deeper concentration remains. It is like a document in which movement is written from a multidimensional perspective.

The exhibition peruses the geometric documents of the two artists where 'movement is written' and who 'wrote the movement.' Just as a dancer simultaneously unfolds the time and space they operate on stage during a performance, the two artists describe the flow of movement in detail by structuring actions along vertical and horizontal lines. In Agamben's terms, dance is a state of 'whatever.' The five elements of movement—Body, Action, Space, Effort, and Shape—hold the potential to be organized with anything, the latency to enable various types of performance. Undoubtedly, the intimacy of materials that do not hide themselves and the subtle sounds emitted by individual movements resonate quietly everywhere in the exhibition. By linking the works of the two artists, we hope to find clues that will open up diverse possibilities of formative styles.

— Excerpt from the exhibition foreword
2025 Downtown Noise
Group







먹구름, 2024, 장지에 수묵담채, 가변 크기
Dark Clouds, 2024, Ink and color on jangji, Dimensions variable






〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵담채, 29.7 × 21 cm
Sky, 2025, Ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm

《Downtown Noise》

2025. 3. 8. – 3. 21.
서울시 성동구 성덕정길 136-22 101호, 201호, 옥상
작가


기획
서문
 사진


강주홍
손지윤
임채홍
하안지
하안지
지윤구
성수동2가의 성덕정길 136-22에서 진행되는 《Downtown Noise》는 1990년대에 빨간 벽돌로 지어진 공동주택이 즐비한 골목 속 한 집에서 진행된다. 주거지에서 전시가 진행된 사례를 톺아보면, 1960-80년대 구소련의 아파트에서 대안적으로 사적 영역인 가정의 공간에서 전시가 열리기 시작하였다. 이후 1990년대 공장-공간 화랑들이 문을 닫게 될 위기에 처하자 일부 화상들이 자신의 집에서 전시회를 다수 개최하면서 가정집이 미술적 장소로 변모하게 되었다. 이처럼 《Downtown Noise》는 작업실과 전시 공간으로 변화시키기 이전에 ‘성수동에 위치한 다세대주택’이라는 사적 영역을 공적인 공간으로 해체하고 불특정한 관객을 초대하여 노이즈를 일으키고자 한다.

3명의 작가가 일으키는 노이즈는 작품을 제작·설치하며 내는 소음과 같이 소리를 표현하는 것이기도 하지만, 공간에 대한 정보를 카오스처럼 방해하고 미술적 장소로 겹치게 만드는 행위이기도 하다. 주거지에서 소음은 필수 불가결인 존재이면서도 금지된 무언가로서 정치적인 영역으로 번져나간다. 전시에 방문한 당신은 소음을 일으키는 일종의 무단침입자가 된 듯한 인상을 받게 될 것이다. 텅 빈 작은 공간을 가득 메운 작품을 관람한 후 여러 흔적이 남은 불안한 계단을 타고 올라 누군가 살고 있는 방을 탐닉하고는 옥상에 올라 비로소 성수동2가의 풍경과 함께 위태로운 작품을 만나게 된다. 이에 당신은 복잡한 주택가에서 일으키는 노이즈에 동참하여 미술적 실천을 체험하게 되는 것이다.

임채홍은 한지의 물성을 통해 양립 불가능한 구조를 해체한다. 회화의 여러 구성물 중 하나로 인식되는 한지에 행동력을 부여하고, 다양성을 갖는 도상을 활용해 가능성을 확장한다. 어떠한 규칙에 의해 종이를 접거나 구기는 행위를 반복하고 뒤엉킨 한지를 다시 펼쳐, 규칙을 찾을 수 없도록 화면을 구성하면서 그만의 프랙탈을 만들어가고 있다.

복잡한 동적 행동으로 가득한 성수동에서 3명의 작가는 미술적 행위를 통해 차원을 이동하며 각자가 지정한 경계를 무너뜨리고 있다. 카오스가 발견되기 이전, 사람들은 무질서로 인한 특유의 무지에 시달려왔으며 발견된 후엔 모든 현상은 예측이 가능하다는 라플라스적 환상을 깨트렸다. 이처럼 질서를 찾기 어려운 공간에서 나아갈 통로를 지정하고 새로운 규칙을 만들고자 성수동2가에서 처음 진행되는 전시인 《Downtown Noise》는 명징하지 않은 지난한 여정의 첫걸음이다. 공동주택에 대한 기존의 규칙은 해체되며 이전과 전혀 다른 양상을 보게 될 것이다. 복잡하고도 다차원적인 공간에서 시작하는 작은 변화를 통해 큰 결과를 만들고자 한다.

— 전시 서문 발췌

Downtown Noise

March 8 – 21, 2025
101, 201, and Rooftop, 136-22 Seongdeokjeong-gil, Seongdong-gu, Seoul

Artists


Curated by
Text
Photography Kang Joohong
Son Jiyun
Lim Chaehong
Ha Anji
Ha Anji
Ji Yungu The exhibition Downtown Noise, held at 136-22 Seongdeokjeong-gil in Seongsu-dong 2-ga, takes place in a house nestled within an alley filled with red-brick multi-family housing built in the 1990s. Reflecting on past instances of exhibitions held in residential areas, alternative exhibitions began in the private domestic spaces of Soviet apartments between the 1960s and 1980s. Later in the 1990s, when factory-space galleries faced the threat of closure, some art dealers hosted numerous exhibitions in their own homes, transforming houses into artistic venues. In this way, Downtown Noise seeks to dismantle the private sphere of a 'multi-family house located in Seongsu-dong' into a public space, inviting unspecified audiences to generate noise, prior to simply converting it into a studio or exhibition space.

The noise generated by the three artists represents literal sounds, such as those made while creating and installing artworks, but it is also an act of disrupting spatial information like chaos and superimposing it as an artistic site. In a residential area, noise is an indispensable yet forbidden entity that spills over into the political realm. Visiting the exhibition, you might feel like a trespasser generating noise. After viewing the artworks filling a small, empty space, you will climb an unstable staircase marked with various traces, indulge in a room where someone actually lives, and finally reach the rooftop to encounter precarious artworks alongside the scenery of Seongsu-dong 2-ga. Through this, you participate in the noise generated within a complex residential neighborhood, experiencing an artistic practice firsthand.

Lim Chaehong dismantles incompatible structures through the materiality of hanji. He grants agency to hanji, typically perceived merely as one of painting's components, and utilizes diverse iconography to expand its possibilities. By repeatedly folding or crumpling the paper according to certain rules, and then unfolding the tangled hanji to compose a surface where the initial rules can no longer be traced, he creates his own fractal.

In Seongsu-dong, a place full of complex dynamic behaviors, the three artists transcend dimensions through their artistic acts, breaking down their self-designated boundaries. Before chaos was discovered, people suffered from a distinct ignorance caused by disorder; once discovered, it shattered the Laplacian illusion that all phenomena were predictable. Downtown Noise, the first exhibition held in Seongsu-dong 2-ga with the intention of designating a path and establishing new rules in a space where order is hard to find, marks the first step of an arduous, unclear journey. The existing rules regarding multi-family housing will be dismantled, revealing entirely different aspects than before. Through small changes initiated in a complex, multidimensional space, the exhibition aims to create significant outcomes.

— Excerpt from the exhibition foreword
2024
내 발자국이 집을 떠날 때
Group







〈하늘〉, 2024, 장지에 수묵담채, 196.5 × 135.5 cm (아침, 낮, 저녁 설치 전경)
Sky, 2024, Ink and color on jangji, 196.5 × 135.5 cm (Morning, daytime, and evening installation views)



《내 발자국이 집을 떠날 때》

2024. 12. 17. – 12. 23.
경희대학교 미술관 및 미술대학 (서울시 동대문구 경희대로 26, 미술관 4층·옥상, 미술대학 판화실·사물함·메이커스페이스·야외 창고)
작가




서문
그래픽 디자인
 사진


강주홍
김한울
박수빈
손지윤
임채홍
손지윤
강주홍
지윤구
나의 발자국이 닿지 않은 곳은 없다.
결코 짧지 않은 시간 동안 학교를 다녔던 우리에게 이곳은 더할 나위 없이 익숙하고도 지루하다. 어쩌면 우리의 첫 번째 전시를 만들어 주었을 이곳에서 두 번째, 세 번째, 네 번째, 그 이상의 전시들을 지나왔다. 나와 함께 동행한 내 작업들은 계속해서 다른 이야기와 모양을 갖추었지만, 이들이 놓인 장소는 늘 변함없었다. 새로운 전시를 만들어보자, 했을 때 다시금 이곳으로 돌아오기엔 우리는 분명 권태로웠던 것 같다.

집이라는 공간에서 우리는 한없이 안정적이지만 또 한순간 무료함을 느낀다. 그럴 때면 훌쩍 이사를 떠나고픈 마음을 뒤로 하고 우리는 조금씩 가구를 옮겨본다. 새로운 러그도 사보고 조명을 바꿔본다. 늘 그 자리에 있던 것들을 이리저리 옮겨보고 나면 자주 들여다보지 않은 곳들을 마주하게 되는데, 그때의 생경함, 낯섦. 그 감각들을 학교로 가져와 전시로 엮어본다.

나의 발자국은 곧 이 집을 떠난다.
이곳을 떠나기 전에, 혹시나 내 발자국이 닿지 않은 곳이 있을까. 몽땅 미술관 밖으로 나온 작업들은 본인이 지금껏 가본 적 없는, 보통의 장소와는 조금 다른 곳들에 자리해 본다. 가장 높은 옥상부터 가장 낮은 창고까지. 미술관은 비어 있지만, 이곳은 그 어느 때보다 가득 차 있다.

우리는 곧 떠날 집과 같은 이 학교에 발자국을 찍어본다.
그리고 이 글을 읽는 당신은 지도를 보며 우리가 이곳에 찍어둔 발자국, 그 위를 밟고 따라간 곳에서, 익숙한 그림자들 사이에 있는 낯선 무언가를 발견할 수 있을 것이다.
When My Footprints Leave the Home

December 17 – 23, 2024
Kyung Hee University Museum of Art & College of Fine Arts (Museum: 4F & Rooftop / College: Printmaking Studio, Lockers, Makerspace, Outdoor Storage, 26 Kyungheedae-ro, Dongdaemun-gu, Seoul)

Artists




Text
Graphic Design
Photography Kang Joohong
Kim Hanul
Park Subean
Son Jiyun
Lim Chaehong
Son Jiyun
 Kang Joohong
Ji Yungu There is no place untouched by my footprints.
Having attended this school for a considerable time, this place is to us as profoundly familiar as it is tedious. Here, in the very space that perhaps hosted our first exhibition, we have passed through our second, third, fourth, and beyond. The artworks that accompanied me continually took on new stories and forms, yet the locations where they were placed remained forever unchanged. When the time came to create a new exhibition, the prospect of returning to this exact spot once again left us feeling undeniably ensnared by ennui.

Within the space called home, we feel infinitely secure, yet we can suddenly be overcome by sheer boredom. At such times, setting aside the sudden urge to pack up and move away, we try rearranging the furniture bit by bit. We might buy a new rug or change the lighting. After shifting around the objects that have always rested in the same spot, we encounter the hidden corners we rarely looked into—and in that moment, a sense of rawness and unfamiliarity arises. We bring these very sensations to the school and weave them into an exhibition.

My footprints will soon leave this home.
Before departing, I wonder if there is any place my footprints have not yet reached. Spilling out of the museum entirely, the artworks situate themselves in unprecedented locations—places slightly distinct from ordinary spaces. From the highest rooftop to the lowest warehouse. The museum itself is empty, yet this place is fuller than ever.

We leave our footprints upon this school, a home we are soon to leave.
And you, who read this text, by looking at the map and tracing the footprints we have left behind—stepping exactly where we have stepped—will discover something unfamiliar hidden amidst the familiar shadows.
2024
Laborers
Group
《Laborers》

2024. 5. 3. – 5. 12.
경희대학교 미술관 (서울시 동대문구 경희대로 26 1층)
작가






기획
서문
그래픽 디자인
 사진
전시 설치
지원


 강주홍
신종민
손지윤
이연재
이재원
임채홍
정수민
강주홍
강주홍
강주홍
지윤구
왕호용
경희대학교 미술대학 《Laborers》는 현재 미술대학에서 근무 중인 연구조교 및 행정조교 7명의 전시이다. 본 전시에서는 유연한 노동 주체가 되기 위한 이들의 긍정적인 움직임 그리고 우리가 어느 장소에 살고 있는지에 대한 지리학적 지각에 대한 질문을 펼쳐 보인다.

실제로 안정되게 생활하려는 욕구와, 어떤 생활도 결코 '안전하게' 완성되지 않게 하려는 사회적 제약에 의해서나, 혹은 나름대로의 욕망을 통해서 전진하고, 평상시 이상의 실력을 발휘하려는 필요성 간에는 고통스럽고도 이로운 긴장이 항상 존재한다. 덜거덕거리는 삶에서 노동은 우리를 삼켜 영원히 지속될 것만 같고, 미술에서 성취란 것은 지구에서 천왕성까지의 거리에 떨어진 이상 같기도 하다. 팽팽하게 당겨진 현실과 문제적일 만큼 낙관적인 세계를 접촉시키고 연결하기 위해 일상과 노동의 이야기를 불러와 본다.

전시는 '사무실-전시공간' 하이픈의 열린 형태, 서로를 덧씌우는 형태로 이뤄진다. 전시 공간 중앙에는 연구조교실에서 줄곧 사용해온 집기와 컴퓨터 세팅 그대로를 이주시킨 형태로 구성하였으며, 개별 각각의 자리에서 뻗어 나온 생산물(작업)들로 사면의 벽을 채워 조직하였다. 중앙에 놓인 6개의 테이블은 '사무실-스튜디오' 양 항이 매개되고 섞인 공간으로 활용해 일상에서 '(교직원으로서의) 노동-(작업자로서의) 노동'이 필연적으로 연루될 수밖에 없음을 드러내고자 하였다.

미술대학이라는 단일 공간 안에 위치한 이들의 사무실과 스튜디오를 불투명하게 구획하는 것은 수직으로 분할된 바닥과 천장 그뿐이다. 이곳에서 저곳으로 이동하기 위해 전속력으로 달릴 필요도, 지도 앱을 켤 필요도 없다. 우리의 시야는 당연하게도 눈앞에 보이는 것만을 품을 수 있다. 공간을 의심하고, 장소를 해체해 보자. 미술대학관 층과 층 전체가 유리로 구성된 투명한 열린 공간이라면? 수직선과 수평선을 모두 잊어버린 공간이라면? 질문에 화답해, 연속된 판 위에 이질적인 두 프로그램(사무 공간, 스튜디오)를 통합하는 방법을 떠올려 본다. 질서는 불확실해지고 혼성화되어가지만, 이들은 사무노동과 생산노동 양항 어느 쪽에도 유리되지 않기 위해 부단히, 꼿꼿이 균형을 잡으려 움직인다.
Laborers

May 3 – 12, 2024
Kyung Hee University Museum of Art (1F, 26 Kyungheedae-ro, Dongdaemun-gu, Seoul)

Artists






Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Installation
Support
 Kang Joohong
Shin Jongmin
Son Jiyun
Lee Yeonjae
Lee Jaewon
Lim Chaehong
Jeong Sumin
Kang Joohong
Kang Joohong
Kang Joohong
Ji Yungu
Wang Hoyong
College of Fine Arts, Kyung Hee University Laborers is an exhibition featuring seven research and administrative teaching assistants currently working at the College of Fine Arts. This exhibition unfolds their positive movements toward becoming flexible labor subjects, along with questions regarding the geographical perception of the places we inhabit.

In reality, a painful yet beneficial tension always exists between the desire to live a stable life and the need to advance through one's own desires—or due to social constraints that prevent any life from ever being 'safely' completed—striving to demonstrate abilities beyond the ordinary. In this clattering life, labor seems as though it will swallow us and persist eternally, while achievement in art feels like an ideal as distant as the journey from Earth to Uranus. To make contact with and connect this tautly stretched reality with a problematically optimistic world, we summon the narratives of everyday life and labor.

The exhibition takes on the open, hyphenated form of an "office-exhibition space," a structure where the two overlay one another. The center of the exhibition space is configured by migrating the exact furniture and computer setups consistently used in the research assistants' office, while the four surrounding walls are organized and filled with the products (artworks) extending from each individual's desk. The six tables placed in the center serve as a space where both terms—"office-studio"—are mediated and mixed, aiming to reveal that in their daily lives, the "labor (as school staff)" and the "labor (as artists)" are inevitably entangled.

Within the singular space of the art college, the only things opaquely dividing their offices and studios are the vertically partitioned floors and ceilings. There is no need to run at full speed or turn on a map app to move from here to there. Naturally, our field of vision can only embrace what is visible right in front of us. Let us doubt the space and deconstruct the place. What if the floors of the art college building were entirely composed of glass, creating a transparent, open space? What if it were a space that had forgotten all vertical and horizontal lines? In response to these questions, we imagine a method of integrating two heterogeneous programs (office space and studio) on a continuous plane. Although the order becomes increasingly uncertain and hybridized, they move ceaselessly and uprightly to strike a balance, so as not to be isolated from either the term of administrative labor or that of productive labor.
2024
Overlap Object
Group





〈(Un)Folding〉, 2024, 장지에 수묵담채, 가변 크기
(Un)Folding, 2024, Ink and color on jangji, Dimensions variable


〈하늘에 종이비행기〉, 2024, 장지에 수묵담채, 각 29.7 × 21 cm
A Paper Airplane in the Sky, 2024, Ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm each


〈하늘〉, 2024, 장지에 수묵담채
Sky, 2024, Ink and color on jangji

《Overlap Object》
2024. 1. 18. – 1. 28.
갤러리 인 (서울시 서대문구 홍제천로 116 201호)
작가

기획
서문
그래픽 디자인
 사진 김다솔
임채홍
양기찬
양기찬
김다솔
양이언
‘겹치다’, ‘포개지다’의 뜻을 가리키는 동사 오버랩(overlap)은 영화에서 컷을 자연스럽게 전환하 는 기법 중의 하나다. 대부분이 알고 있듯, 이 기법은 영화의 장면이 넘어갈 때, 두 장면이 서서 히 포개어지며 이전 장면을 사라지게 하는 편집법이다. 현실에서 두 장면은 분절된 시간과 장소 에서 벌어진 상황들이지만, 극장의 제한된 시간 속에서 효율적인 진행과 서사의 매끄러운 연결을 위해 사용된다. 그러나 해당 전시에서 보여줄 오버랩의 기법은 영화와 다른 물질, 형태, 그리고 시간성을 나타내고 있다. 극장이 아닌 이곳, 곧 화이트 큐브가 접목된 쇼룸 안에서 표현된 오버랩 은 분절된 차원들을 지금의 시공간 위로 겹쳐 놓은 오브제로 공개된다. 전시의 제목으로 채택된 <오버랩 오브제(Overlap Object)>는 참여 작가들(김다솔, 임채홍)의 창작 과정에 있어서 빈번히 반복하는 포개기 방식과 그로부터 파생된 사물의 성격을 함양한 말이다. 이들이 만든 사물들은 2 차원의 이미지와 3차원의 입체를 넘나드는 형상을 보여주는데, 이는 이미지를 겹쳐가며 쌓은 입 체이거나(김다솔), 평면을 입체로 접었다 다시 펼치는 과정에서 생성된 이미지(임채홍)를 갖추고 있다. 비록 두 작가는 각자의 방법에 있어 재료와 소재를 달리하고 있지만, 이미지를 매개의 수단 이전에 접촉할 수 있는 물질 및 제한된 면적으로 해석하는 관점을 공유하고 있다. 이에 따라 각 작가는 이미지를 증식하여 평면으로부터 일탈시키거나, 역으로 평면적 오브제의 양가성을 부각함 으로써 각자가 주목하는 차원의 물리적 제약을 넘어서고자 한다.

임채홍 작가는 입체에서 평면으로 펼쳐낸 수묵채색화를 고안한다. 그는 붓으로 형상을 그리지 않고, 구겨진 한지에 색을 먹이거나 종이접기로 구획한 면들 위로 채색하는 방식을 고수한다. 이와 같은 형식은 그가 종이 를 그림의 바탕이 아닌, 실체가 있는 매스라는 사실을 자각하는 것으로부터 출발한다. 실제 대상 을 채색으로 묘사하기보다, 한지를 대상으로 여기고자 덩어리를 주기 위해 구기고 접으며 펼치는 일을 반복한다. 그 과정에서 형성된 주름에 따라 번져간 물감, 그리고 접으면서 분할된 면을 다시 채색하여 최종적으로 추상화와 흡사한 모습으로 둔갑하게 된다. 색이 입혀진 평면 오브제는 관객 들에게 온전히 분간할 수 없는 엄숙한 형상으로 비추어지나, 그 정체는 사실 입체로 구축해 보는 과정에서 우발로 주름진 선과 분할된 면이라는 점에서 역설적이다.

이처럼 두 작가에 있어 공간상의 오버랩은 이미지의 물리적 가변성과 한계로부터 거스르려는 기 법으로 통용이 된다. 홀로는 자립할 수 없던 이미지가 여러 다른 이미지들과 포개어지며 실재 공 간으로 침투할 수 있게 되고, 그저 얇은 조각에 불과했던 입체물이 깊이를 가늠할 수 없는 추상 적 환영으로 전이가 된다. 그리고 이들의 창작물은 차원들의 중첩을 매체 안으로만 머물지 않고, 더 나아가 매체들과 쇼룸의 교차로 다층적 공간성을 이곳에서 형성하려고 한다.

— 전시 서문 발췌
Overlap Object

January 18 – January 28, 2024
Gallery IN (201, 116 Hongjecheon-ro, Seodaemun-gu, Seoul)
Artists

Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Kim Dasol
Lim Chaehong
Yang Kichan
 Yang Kichan
Kim Dasol
Yang Ieon
 The verb "overlap," meaning to layer or superimpose, is a technique used in film to transition between cuts naturally. As most know, this editing method involves two scenes gradually superimposing as the scene changes, causing the previous one to fade away. In reality, the two scenes are situations occurring in fragmented time and space, but within the limited time of a theater, this technique is used for efficient progression and seamless narrative connection. However, the technique of overlap presented in this exhibition reveals materiality, form, and temporality distinct from those in film. Expressed here, not in a theater but within a showroom combined with a white cube, the overlap is revealed as objects that superimpose fragmented dimensions onto the current space and time. The exhibition's title, Overlap Object, embodies the method of superimposition frequently repeated in the creative processes of the participating artists (Kim Dasol, Lim Chaehong) and the characteristics of the objects derived from it. The objects they create display forms that cross the boundaries between two-dimensional images and three-dimensional volumes, taking the shape of either a 3D form built by layering images (Kim Dasol) or an image generated in the process of folding a flat surface into a 3D volume and unfolding it again (Lim Chaehong). Although the two artists differ in their materials and subject matter, they share a perspective that interprets the image as a tangible material and a limited surface area before it serves as a medium of mediation. Accordingly, each artist seeks to overcome the physical constraints of the dimension they focus on by multiplying images to break away from the flat surface, or conversely, by highlighting the ambivalence of the planar object.

Artist Lim Chaehong devises ink and color paintings unfolded from a three-dimensional volume into a two-dimensional plane. Rather than painting figures with a brush, he adheres to a method of impregnating crumpled hanji with color or applying paint onto surfaces demarcated by paper folding. This format originates from his realization that paper is not merely a background for a painting, but a tangible mass. Instead of depicting an actual subject through coloring, he repeatedly crumples, folds, and unfolds the hanji to give it volume, treating the paper itself as the subject. The paint spreads along the wrinkles formed in this process, and the surfaces divided by folding are repainted, ultimately transforming into an appearance akin to an abstract painting. Although the colored planar object appears to the audience as a solemn, entirely indiscernible form, its identity is paradoxical in that it is, in fact, comprised of lines accidentally wrinkled and planes divided during the process of attempting to construct it into a 3D volume.

In this way, for the two artists, spatial overlap serves as a technique to resist the physical mutability and limitations of the image. Images that could not stand alone become able to infiltrate real space by superimposing with other images, and 3D objects that were merely thin fragments transition into abstract illusions of unfathomable depth. Furthermore, their creations do not confine the superposition of dimensions within the medium alone; they seek to form a multi-layered spatiality here through the intersection of the mediums and the showroom.

— Excerpt from the exhibition foreword