임채홍

2025나그네의 외투 2026Centrifugation 이후, … 2025Support and Gesture 2025Downtown Noise 2024내 발자국이 집을 떠날 때 2024Laborers 2024Overlap Object 2023Thesis Presentation
2025나그네의 외투 2026Centrifugation 이후, … 2025Support and Gesture 2025Downtown Noise 2024내 발자국이 집을 떠날 때 2024Laborers 2024Overlap Object 2023Thesis Presentation
2025나그네의 외투
solo



















〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵채색, 가변 크기
Sky, 2025, Ink and color on jangji, Dimensions variable

《나그네의 외투》

2025. 10. 18. – 11. 9.
부피 (서울특별시 종로구 창경궁로35길 39-13 옥상)
작가
서문
그래픽 디자인
사진
전시 설치


주최


 임채홍
최지희
김경수
지윤구
강주홍
김다솔
김해성
부피

 이야기의 잘 알려진 결말에서 해는 나그네의 외투를 벗기고 북풍과의 내기에서 이긴다. 그러나 이 승패에 작용한 것은 단지 해의 설득만이 아니다. 차가운 바람이 멈추었고 햇빛이 계속될 것이라는 가정, 겉옷을 벗어 손에 들기로 한 결정, 외투를 벗는 행위에는 나그네의 판단이 개입되어 있다. 어쩌면 이 이야기는 「북풍과 해님」의 힘겨루기가 아니라, 변화하는 해와 바람이 존재하는 길 위에서 변화하는 ‘나그네의 이야기’로 읽을 수 있다. 전시 《나그네의 외투》는 해와 바람이 있는 옥상을 나그네의 여로에 비유한다. 임채홍이 능동적인 물질로 보는 한지를 매체 삼는 ‘한지 회화’는 ‘나그네’가, 그 회화를 ‘관습으로 바라보는 틀’은 ‘나그네의 외투’가 된다.

한지는 흔히 전통 회화의 관념적 재료로 여겨진다. 하지만 전통성이 한지가 가진 전부는 아니다. 한지는 펄프가 아닌 섬유질을 주 재료로 삼는다. 굵은 조직을 가지기 때문에 이들의 느슨한 엮임 사이로는 빛이 쉽게 투과되고 따라서 한지는 투명성을 가지게 된다. 안료는 겉에 발리는 것이 아니라 물과 함께 조직을 메우며 통제할 수 없이 스미고 번진다. 덧칠해진 안료는 종이의 내부에서 섞인다. 한지는 섬유질의 엮임으로 이루어지지만 캔버스와 같은 천이 아니다. 따라서, 유연하고 질기지만, 구겨지고 접히면 비가역적인 시간의 흔적이 남는다. 작가가 ‘양면 회화’라고 부르는 그의 작품은 이러한 한지의 물성을 통해 구현된다.

물성과 관념성이라는 두 가지의 성질의 관계는 전시에 걸린 〈하늘〉 연작에서도 드러난다. 작가는 ‘이상적 자연관, 원법·준법으로 귀결되는 전통 화론’에 의문을 가진다. 도시화와 기후 위기라는 오늘날의 생활상과 괴리되기 때문이다. 하지만 그럼에도 불구하고 작가는 한지의 물성에 매력을 느낀다. 작가는 〈하늘〉 연작에서 전통 화론에 따라서라면 여백으로 남겨야 하는 하늘만을 전폭에 담는다. 한지라는 매체가 가진 물질과 관념 사이에서 그가 거부하고 수용하는, 비동의와 동의가 교차하고 충돌하는 관계와, 이를 결정하는 그의 고민이 드러난다. 이러한 고민을 연장해 전시 《나그네의 외투》에서 작가는 〈하늘〉 연작을 옥상에 ‘행잉’한다. 전통 화론에서 벗어나, 실재하는 환경의 조건과 상응하며 작품이 변화하는, 다중 시점의 한국화를 그리는 새로운 화법을 실험한다.

이곳에서 〈하늘〉은 프레임을 벗고 하늘에 걸린다. 프레임이 부여하던 전면성에서 벗어나 온전한 양면으로 거듭난다. 바람에 의해 흔들리고, 다시 구겨지고 펴지며, 변화하는 습도와 온도, 빛과 바람을 만난다. 옥상에 존재하는 하늘과 이곳을 찾은 관객의 움직임에 영향을 받으며 다른 모습으로 변해간다. 쬐는 햇빛에 외투를 벗은 나그네처럼, 자신의 외부와 스스로 관계를 맺으며 영향을 받는다. 옥상 위에서 한지는 더 이상 한국화의 관념적 재료나 회화의 평면이 아니라 햇빛과 바람, 시점과 시간, 그리고 우리의 움직임에 따라 변화하는 ‘달라지는 장소’가 된다. 변화하는 한지처럼 회화 또한 바람에 따른 미세한 흔들림에 매 순간 구성이 바뀐다. 회화는 결과물이 아니라 진행 중인 장면으로 선다. 역설적이게도, 이곳에서 절대적인 것은, 모든 것은 변화한다는 절대성의 불가능이다. 그러니, 작품 사이를 걸으며 〈하늘〉의 비침과 겹침과 주름의 변화를 자신의 움직임과 함께 읽어내고, 변화와 공존을 체득할 수 있길 바란다.

— 전시 서문 발췌
The Traveler’s Cloak

October 18 – November 9, 2025
Boofy (Rooftop, 39-13 Changgyeonggung-ro 35-gil, Jongno-gu, Seoul)
Artist
Text
Graphic Design
Photography
Installation


Organized by


Lim Chaehong
Choi Jihee
Kim Gyeongsu
Ji Yungu
Kang Joohong
Kim Dasol
Kim Haeseong
Boofy

In the well-known ending of the fable, the sun wins its wager with the North Wind by getting the traveler to take off his cloak. Yet the outcome did not turn on the sun’s persuasion alone. The assumption that the cold wind had died down and that the sunshine would last, the decision to take off the garment and carry it in hand—the act of removing the cloak involves the traveler’s own judgment. Perhaps, then, the story can be read not as a contest of strength between “The North Wind and the Sun,” but as “the traveler’s story,” the story of a traveler who changes along a road where the sun and the wind are themselves always changing. The exhibition The Traveler’s Cloak likens the rooftop, open to sun and wind, to the traveler’s journey. Here, “hanji painting”—painting that takes as its medium hanji, which Lim Chaehong regards as an active material—becomes the “traveler,” and the “conventional frame through which that painting is viewed” becomes the “traveler’s cloak.”

Hanji is often regarded as an ideational material of traditional painting. But tradition is not all that hanji holds. Hanji is made primarily of long plant fibers rather than wood pulp. Because of this coarse structure, light passes easily through the loose interlacing of its fibers, giving the paper its translucency. Pigment is not laid on the surface; it fills the fibers together with water, seeping and spreading beyond control. Layered pigments mix within the paper itself. Although hanji is formed from interwoven fibers, it is not a cloth like canvas. It is therefore flexible and strong, yet once crumpled or folded, it keeps irreversible traces of time. The works the artist calls “double-sided paintings” are realized through these material properties of hanji.

The relationship between these two qualities, materiality and ideality, also surfaces in the Sky series on view. The artist questions “traditional painting theory that culminates in an idealized view of nature and in the conventions of distance and texture strokes,” because it is removed from the realities of life today, shaped by urbanization and the climate crisis. And yet the artist remains drawn to the materiality of hanji. In the Sky series, he fills the entire picture with the sky alone—the very space that traditional theory would leave empty. What emerges, between the material and the ideational in the medium of hanji, is a relationship in which what he rejects and what he accepts, dissent and assent, intersect and collide, along with the deliberation that decides between them. Extending this inquiry, in The Traveler’s Cloak the artist “hangs” the Sky series on the rooftop. Departing from traditional theory, he experiments with a new way of painting: a multi-perspectival Korean painting in which the work changes in response to the conditions of a real environment.

Here, Sky sheds its frame and is hung in the sky. Freed from the frontality a frame imposes, it becomes a fully double-sided work. Swayed by the wind, crumpled and smoothed out again, it meets shifting humidity and temperature, light and wind. Affected by the sky above the rooftop and by the movements of the visitors who come here, it keeps turning into something else. Like the traveler who took off his cloak in the warm sun, it enters into a relationship with its surroundings of its own accord and is changed by them. On the rooftop, hanji is no longer the ideational material of Korean painting or the flat surface of a picture, but a “changing place” that shifts with sunlight and wind, viewpoint and time, and our own movements. Like the changing hanji, the painting’s composition also changes from moment to moment with each slight tremor of the wind. The painting stands not as a finished product but as an ongoing scene. Paradoxically, the only absolute here is the impossibility of the absolute: that everything changes. So, as you walk among the works, may you read the changes in the translucency, layering, and creases of Sky together with your own movement, and come to know change and coexistence through your body.

— Excerpt from the exhibition foreword
2026Centrifugation 이후, 조형공장에서 계속되는 난파선 만들기와 Melting Point Study에서 우리는 내가 아니다
group







《Centrifugation 이후, 조형공장에서 계속되는 난파선 만들기와 Melting Point Study에서 우리는 내가 아니다》

2026. 6. 3. – 6. 21.
옥상팩토리 (서울특별시 송파구 법원로4길 5 B1)
작가




기획
서문
그래픽 디자인
사진
주최
유형우
이연진
이오이
임채홍
조성재
이윤서
이윤서
인현진
양이언
옥상팩토리
작가들은 끊임없이 대화를 나누면서 서로의 작업 방식과 생각을 공유했다. 하지만 오히려 그 과정에서 소통이 끝내 완전히 이루어질 수 없다는 사실을 더욱 크게 마주하게 됐다. 더 많이 설명하고 이해하려 할수록 서로 다른 감각과 방식의 간극은 오히려 선명해졌다. 우리는 어디까지 서로를 용인할 수 있을까? 협업은 과연 긍정적인 것인가, 혹은 통제되지 않는 관계를 감당해 내는 과정인가? 불합치와 긴장감이 감도는 협업 속에서 작가들은 서로 간의 개입에 의해 자기 통제를 벗어나고 변형되는 순간을 맞닥뜨렸다. 뺏고 빼앗기고, 해체하고 덧붙이는 순간들... 서로의 살점을 걷어내자 오히려 각자의 습성과 욕구가 더 선명하게 드러나는, 모순적인 해체의 장이 펼쳐졌다.

작업실에서의 작업 형태는 전시 공간으로 이동하면서 필연적으로 분절되었고, 그 과정에서 완전히 다른 모습으로 변했다. 어느 위치에 작업을 둘지, 어떤 방향으로 걸지, 무엇을 남기고 지울지를 두고 끝없이 이야기를 나누었다. 그리고 공동 작업실 바닥에 남아 있던 흔적들을 보여주기 위해서 장판 그대로 전시 공간으로 가져왔다. 작업을 옮기며 생긴 자국과 나사 구멍들은 지우지 않기로 한 이유는 이미 지나간 선택과 고민, 실패한 흔적들 역시 이 전시의 일부라고 생각했기 때문이다. 하지만 어쩌면 우리는 아직도 공동 작업실 장판 위에 올라서 있는지도 모른다.

끝없는 대화를 통한 이해의 과정 속에서, 서로 간의 오해를 풀며 침범의 행위를 용인하기도 하고, 때로는 받아들이기 힘든 지점을 삼켜내기도 하면서 행위와 현장성을 전시 공간에 드러내 보이고자 했다. 하지만 화이트 큐브 속으로 들어온 순간, 우리는 '완결'의 미학에 자연스럽게 동화된 듯 보인다. '완결'된 듯 잠시 멈춰 있는 작업들은 얼기설기 서로 엮여 있으면서 동시에 다음으로의 움직임을 기다리고 있다. 이번 전시가 완전히 정지된 이미지처럼 보이지 않기를 바랐고, 끝없이 변형되고 흔들리는 상태 자체를 붙잡아두고 싶었다. 하지만 이번 전시에서도 어느새 완결로 향하는 대화를 나누게 되었다. 과정 중심의 전시를 내세웠으나, 어쩌면 우리는 다시금 완결된 형태를 무의식적으로 찾고 있었는지도 모른다.

— 전시 서문 발췌
After Centrifugation, the Ongoing Shipwreck Making and Melting Point Study at the Sculpture Factory: We Are Not I

June 3 – June 21, 2026
Oksang Factory (B1, 5 Beobwon-ro 4-gil, Songpa-gu, Seoul)
Artists




Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Organized by Ryu Hyeongwoo
Lee Yeonjin
Lee Oee
Lim Chaehong
Cho Sungjae
Lee Yoonseo
Lee Yoonseo
In Hyeonjin
Yang Ieon
Oksang Factory
The artists constantly conversed, sharing their working methods and thoughts. However, through this very process, they confronted the reality that complete communication is ultimately impossible. The more they tried to explain and understand, the clearer the gap between their differing senses and methods became. How far can we tolerate one another? Is collaboration truly positive, or is it a process of enduring an uncontrolled relationship? Amidst a collaboration filled with discord and tension, the artists encountered moments where mutual intervention pushed them beyond self-control and into transformation. Moments of taking and being taken from, dismantling and adding on... As they peeled away at each other's flesh, a contradictory field of deconstruction unfolded, where individual habits and desires paradoxically emerged with greater clarity.

The form of the work in the studio was inevitably fragmented as it moved to the exhibition space, transforming into something entirely different along the way. They debated endlessly over where to place the works, which direction to hang them, and what to leave or erase. Furthermore, to reveal the traces left on the floor of the shared studio, they brought the linoleum flooring itself into the exhibition space. They decided not to erase the marks and screw holes made while moving the works, believing that past choices, agonies, and traces of failure were also part of this exhibition. Yet, perhaps we are still standing on the linoleum floor of that shared studio.

Through a process of understanding driven by endless dialogue, they sought to reveal the performative acts and site-specificity within the exhibition space—clearing up misunderstandings, tolerating acts of encroachment, and sometimes swallowing hard-to-accept differences. However, the moment they entered the white cube, they seemed naturally assimilated into the aesthetics of 'completion.' The works, paused as if 'completed,' are loosely intertwined while simultaneously awaiting their next movement. They hoped this exhibition would not appear as a completely static image; they wanted to capture the very state of endless transformation and wavering. Yet, even in this exhibition, they found themselves conversing toward completion. Though they championed a process-oriented exhibition, perhaps they were unconsciously seeking a completed form once again.

— Excerpt from the exhibition foreword
2025Support and Gesture
group
〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵채색, 각 187.2 × 129.1 cm
Sky, 2025, Ink and color on jangji, 187.2 × 129.1 cm each
〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵채색, 각 29.7 × 21 cm
Sky, 2025, Ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm each

《Support and Gesture 지탱과 제스처》

2025. 4. 29. – 5. 11.
팩션(서울특별시 성북구 삼선교로 78 B1)
신종찬, 임채홍
기획
서문
그래픽 디자인
사진
전시 설치



강주홍
강주홍
김경수
권오열
유형우
 본 전시의 뼈대는 움직임에 따라 무대 위에 잠정적 공간을 그려내는 무용수의 편재적인 몸짓에서 착안하였다. 《Support and Gesture 지탱과 제스처》는 매 순간 선과 면의 콤포지션을 만들어내는 무용수의 신체 및 시간 원리를 토대로 두 작가의 작업을 통찰해 보고자 한다. 보다 구체적이고 입체적인(다면적인) 동작의 재현을 위해 쓰임 되어 온 무용 기보법 체계를 통해 임채홍의 종이접기 방법론을 살펴보고, 무용수가 자신의 몸을 훈련하는 일련의 과정과 수행을 통해 신종찬이 구축하는 회화-조각의 논리를 들여다본다.

임채홍은 한지를 주된 재료로 하여 이에 관한 물성 실험들을 토대로 생동하는 회화적 가능성에 주목한다. 한지에 물과 안료를 스미면서 종이가 이완-수축을 반복함에 따라 동반되는 운동성, 종이를 접었다 펼치는 과정에서 수반되는 잠재적인 공간성, 종이의 앞면과 뒷면을 왕래하며 목격하게 되는 종이의 다면성과 같이 작가가 탐구하는 것은 평면의 본성 일부를 탈각시키거나 일으켜 세우는 데에 있다. 또한 작가가 어떤 형태를 재현하기 위해 따르는(혹은 따르지 않는) 종이접기 인스트럭션은 안무가가 무용수에게 전하는 디렉션의 형식과 제법 닮아 있다.

무용수가 팔을 굽히고 펼치고, 무대 위에서 배회하고 정지하는 행위들은 그곳의 환경을 환기하는 것에도 제 몫을 더한다. 신체 움직임이 무대 공간의 규격과 모양을 재고해 볼 수 있는 단서가 되는 것처럼, 임채홍은 ‘종이’라는 장소를 접었다 펼치는 동작의 시간 동안 나타남과 사라짐의 공간화를 경험한다. 이후 최종적으로 펼쳐낸 임채홍의 평면에는 얽히고설킨 수많은 궤적들이 축적되어 있다. 손안에 종이를 쥐고 동그랗게 말아 구기거나, 반듯하게 접었다 펼친 면과 면 사이 움푹 패인 가느다란 주름에는 보다 짙은 농도로 채색된 플로어패턴이 남는다. 다차원적 시점에서 움직임이 작성된 문서처럼 말이다.

— 전시 서문 발췌

Support and Gesture

April 29 – May 11, 2025
Faction (B1, 78 Samseongyo-ro, Seongbuk-gu, Seoul)
Shin Jongchan, Lim Chaehong
Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Installation



Kang Joohong
Kang Joohong
Kim Gyeongsu
Kwon Oyeol
Ryu Hyeongwoo
The exhibition takes its framework from the ubiquitous gestures of dancers, who draw provisional spaces on the stage as they move. 《Support and Gesture》 examines the work of two artists through the principles of body and time by which a dancer composes lines and planes at every moment. It looks at Lim Chaehong’s origami methodology through systems of dance notation, which have been used to record movement in more concrete and three-dimensional (multifaceted) terms, and at the logic of painting-sculpture that Shin Jongchan builds through the processes and practices by which a dancer trains the body.

Lim Chaehong works primarily with hanji, attending to the living pictorial possibilities that emerge from experiments with its material properties. The motion that accompanies the paper’s repeated relaxation and contraction as water and pigment soak into it, the latent spatiality that arises as the paper is folded and unfolded, the many-sidedness of the paper witnessed while moving between its front and back: what the artist explores lies in shedding, or raising up, part of the nature of the flat plane. The origami instructions he follows (or does not follow) to reproduce a form also closely resemble the directions a choreographer gives to dancers.

A dancer’s acts of bending and extending the arms, of wandering and pausing on the stage, also play a part in evoking the surrounding environment. Just as bodily movement offers clues for reconsidering the dimensions and shape of the stage, Lim experiences the spatialization of appearance and disappearance during the time of folding and unfolding the site called “paper.” Countless tangled trajectories accumulate on the plane he finally unfolds. In the thin, sunken creases between surfaces, where the paper was held in the hand and rolled into a crumpled ball, or neatly folded and opened, floor patterns remain, colored in denser pigment. Like a document in which movement has been written from a multidimensional point of view.

— Excerpt from the exhibition foreword
2025Downtown Noise
group
〈하늘〉, 2023, 장지에 수묵채색, 가변 크기
Sky, 2023, Ink and color on jangji, Dimensions variable

〈하늘〉, 2025, 장지에 수묵채색, 29.7 × 21 cm
Sky, 2025, Ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm
《Downtown Noise》

2025. 3. 8. – 3. 21.
성수동 다세대주택(서울특별시 성동구 성덕정길 136-22 101호, 201호, 옥상)
강주홍, 손지윤, 임채홍
기획
서문
 사진


하안지
하안지
지윤구
성수동2가의 성덕정길 136-22에서 진행되는 《Downtown Noise》는 1990년대에 빨간 벽돌로 지어진 공동주택이 즐비한 골목 속 한 집에서 진행된다. 주거지에서 전시가 진행된 사례를 톺아보면, 1960-80년대 구소련의 아파트에서 대안적으로 사적 영역인 가정의 공간에서 전시가 열리기 시작하였다. 이후 1990년대 공장-공간 화랑들이 문을 닫게 될 위기에 처하자 일부 화상들이 자신의 집에서 전시회를 다수 개최하면서 가정집이 미술적 장소로 변모하게 되었다. 이처럼 《Downtown Noise》는 작업실과 전시 공간으로 변화시키기 이전에 ‘성수동에 위치한 다세대주택’이라는 사적 영역을 공적인 공간으로 해체하고 불특정한 관객을 초대하여 노이즈를 일으키고자 한다.

임채홍은 한지의 물성을 통해 양립 불가능한 구조를 해체한다. 회화의 여러 구성물 중 하나로 인식되는 한지에 행동력을 부여하고, 다양성을 갖는 도상을 활용해 가능성을 확장한다. 어떠한 규칙에 의해 종이를 접거나 구기는 행위를 반복하고 뒤엉킨 한지를 다시 펼쳐, 규칙을 찾을 수 없도록 화면을 구성하면서 그만의 프랙탈을 만들어가고 있다.

— 전시 서문 발췌


Downtown Noise

March 8 – 21, 2025
Multi-family house in Seongsu-dong (101, 201, and Rooftop, 136-22 Seongdeokjeong-gil, Seongdong-gu, Seoul)
Kang Joohong, Son Jiyun, Lim Chaehong

Curated by
Text
Photography Ha Anji
Ha Anji
Ji Yungu The exhibition Downtown Noise, held at 136-22 Seongdeokjeong-gil in Seongsu-dong 2-ga, takes place in a house nestled within an alley filled with red-brick multi-family housing built in the 1990s. Reflecting on past instances of exhibitions held in residential areas, alternative exhibitions began in the private domestic spaces of Soviet apartments between the 1960s and 1980s. Later in the 1990s, when factory-space galleries faced the threat of closure, some art dealers hosted numerous exhibitions in their own homes, transforming houses into artistic venues. In this way, Downtown Noise seeks to dismantle the private sphere of a ‘multi-family house located in Seongsu-dong’ into a public space, inviting unspecified audiences to generate noise, prior to simply converting it into a studio or exhibition space.

Lim Chaehong dismantles incompatible structures through the materiality of hanji. He grants agency to hanji, typically perceived merely as one of painting's components, and utilizes diverse iconography to expand its possibilities. By repeatedly folding or crumpling the paper according to certain rules, and then unfolding the tangled hanji to compose a surface where the initial rules can no longer be traced, he creates his own fractal.

— Excerpt from the exhibition foreword

2024내 발자국이 집을 떠날 때
group
〈하늘〉, 2024, 장지에 수묵채색, 196.5 × 135.5 cm (아침, 낮, 저녁 설치 전경)
Sky, 2024, Ink and color on jangji, 196.5 × 135.5 cm (Morning, daytime, and evening installation views)

《내 발자국이 집을 떠날 때》

2024. 12. 17. – 12. 23.
경희대학교 미술관 및 미술대학(서울특별시 동대문구 경희대로 26, 미술관 4층·옥상 외)
강주홍, 김한울, 박수빈, 손지윤, 임채홍

서문
그래픽 디자인
 사진


손지윤
강주홍
지윤구
집이라는 공간에서 우리는 한없이 안정적이지만 또 한순간 무료함을 느낀다. 그럴 때면 훌쩍 이사를 떠나고픈 마음을 뒤로 하고 우리는 조금씩 가구를 옮겨본다. 새로운 러그도 사보고 조명을 바꿔본다. 늘 그 자리에 있던 것들을 이리저리 옮겨보고 나면 자주 들여다보지 않은 곳들을 마주하게 되는데, 그때의 생경함, 낯섦. 그 감각들을 학교로 가져와 전시로 엮어본다.

나의 발자국은 곧 이 집을 떠난다.
이곳을 떠나기 전에, 혹시나 내 발자국이 닿지 않은 곳이 있을까. 몽땅 미술관 밖으로 나온 작업들은 본인이 지금껏 가본 적 없는, 보통의 장소와는 조금 다른 곳들에 자리해 본다. 가장 높은 옥상부터 가장 낮은 창고까지. 미술관은 비어 있지만, 이곳은 그 어느 때보다 가득 차 있다.

— 전시 서문 발췌

When My Footprints Leave the Home

December 17 – 23, 2024
Kyung Hee University Museum of Art and College of Fine Arts (4F, Rooftop, and other spaces, 26 Kyungheedae-ro, Dongdaemun-gu, Seoul)
Kang Joohong, Kim Hanul, Park Subean, Son Jiyun, Lim Chaehong

Text
Graphic Design
Photography Son Jiyun
Kang Joohong
Ji Yungu At home, we feel endlessly settled, yet boredom can set in at any moment. At such times, setting aside the urge to simply pack up and move, we begin to rearrange the furniture little by little. We buy a new rug and change the lighting. Once we have shifted around the things that always stood in their places, we come upon corners we seldom looked into—and with them, a sense of strangeness, of unfamiliarity. We bring these sensations to the school and weave them into an exhibition.

My footprints will soon leave this home.
Before leaving, I wonder whether there is any place my footprints have not yet reached. Taken out of the museum altogether, the works settle into places they have never been before, places slightly different from the usual ones—from the highest rooftop to the lowest storage room. The museum stands empty, yet this place is fuller than ever.

— Excerpt from the exhibition foreword

2024Laborers
group
〈하늘에 종이비행기〉, 2024, 장지에 수묵채색, 각 29.7 × 21 cm
A Paper Airplane in the Sky, 2024, Ink and color on jangji, 29.7 × 21 cm each

《Laborers》

2024. 5. 3. – 5. 12.
경희대학교 미술관(서울특별시 동대문구 경희대로 26 1층)
강주홍, 신종민, 손지윤, 이연재, 이재원, 임채홍, 정수민
기획
서문
그래픽 디자인
 사진
전시 설치
지원
 강주홍
강주홍
강주홍
지윤구
왕호용
경희대학교 미술대학 《Laborers》는 현재 미술대학에서 근무 중인 연구조교 및 행정조교 7명의 전시이다. 본 전시에서는 유연한 노동 주체가 되기 위한 이들의 긍정적인 움직임 그리고 우리가 어느 장소에 살고 있는지에 대한 지리학적 지각에 대한 질문을 펼쳐 보인다.   

전시는 ‘사무실-전시공간’ 하이픈의 열린 형태, 서로를 덧씌우는 형태로 이뤄진다. 전시 공간 중앙에는 연구조교실에서 줄곧 사용해온 집기와 컴퓨터 세팅 그대로를 이주시킨 형태로 구성하였으며, 개별 각각의 자리에서 뻗어 나온 생산물(작업)들로 사면의 벽을 채워 조직하였다. 중앙에 놓인 6개의 테이블은 ‘사무실-스튜디오’ 양 항이 매개되고 섞인 공간으로 활용해 일상에서 ‘(교직원으로서의) 노동-(작업자로서의) 노동’이 필연적으로 연루될 수밖에 없음을 드러내고자 하였다.

— 전시 서문 발췌

Laborers

May 3 – 12, 2024
Kyung Hee University Museum of Art (1F, 26 Kyungheedae-ro, Dongdaemun-gu, Seoul)
Kang Joohong, Shin Jongmin, Son Jiyun, Lee Yeonjae, Lee Jaewon, Lim Chaehong, Jeong Sumin

Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Installation
Support
 Kang Joohong
Kang Joohong
Kang Joohong
Ji Yungu
Wang Hoyong
College of Fine Arts, Kyung Hee University Laborers is an exhibition by seven research and administrative assistants currently working at the College of Fine Arts. It presents their affirmative movements toward becoming flexible laboring subjects, along with questions about the geographical perception of where we live.

The exhibition takes the open, hyphenated form of an “office-exhibition space,” in which the two are layered over one another. At the center of the space, the furniture and computer setups long used in the research assistants’ office have been relocated exactly as they were, while the four surrounding walls are filled with the products (works) extending from each person’s desk. The six tables at the center serve as a space where the two terms of “office-studio” mediate and mingle, revealing how, in daily life, “labor (as university staff)” and “labor (as artists)” are inevitably entangled.

— Excerpt from the exhibition foreword

2024Overlap Object
group

〈하늘〉, 2024, 장지에 수묵채색, 가변 크기
Sky, 2024, Ink and color on jangji, Dimensions variable

《Overlap Object》
2024. 1. 18. – 1. 28.
갤러리 인(서울특별시 서대문구 홍제천로 116 201호)
김다솔, 임채홍
기획
서문
그래픽 디자인
 사진 양기찬
양기찬
김다솔
양이언
‘겹치다’, ‘포개지다’의 뜻을 가리키는 동사 오버랩(overlap)은 영화에서 컷을 자연스럽게 전환하는 기법 중의 하나다. 대부분이 알고 있듯, 이 기법은 영화의 장면이 넘어갈 때, 두 장면이 서서히 포개어지며 이전 장면을 사라지게 하는 편집법이다. 현실에서 두 장면은 분절된 시간과 장소에서 벌어진 상황들이지만, 극장의 제한된 시간 속에서 효율적인 진행과 서사의 매끄러운 연결을 위해 사용된다. 그러나 해당 전시에서 보여줄 오버랩의 기법은 영화와 다른 물질, 형태, 그리고 시간성을 나타내고 있다. 극장이 아닌 이곳, 곧 화이트 큐브가 접목된 쇼룸 안에서 표현된 오버랩은 분절된 차원들을 지금의 시공간 위로 겹쳐 놓은 오브제로 공개된다. 전시의 제목으로 채택된 《오버랩 오브제(Overlap Object)》는 참여 작가들(김다솔, 임채홍)의 창작 과정에 있어서 빈번히 반복하는 포개기 방식과 그로부터 파생된 사물의 성격을 함양한 말이다. 이들이 만든 사물들은 2차원의 이미지와 3차원의 입체를 넘나드는 형상을 보여주는데, 이는 이미지를 겹쳐가며 쌓은 입체이거나(김다솔), 평면을 입체로 접었다 다시 펼치는 과정에서 생성된 이미지(임채홍)를 갖추고 있다. 비록 두 작가는 각자의 방법에 있어 재료와 소재를 달리하고 있지만, 이미지를 매개의 수단 이전에 접촉할 수 있는 물질 및 제한된 면적으로 해석하는 관점을 공유하고 있다. 이에 따라 각 작가는 이미지를 증식하여 평면으로부터 일탈시키거나, 역으로 평면적 오브제의 양가성을 부각함으로써 각자가 주목하는 차원의 물리적 제약을 넘어서고자 한다.

앞서 이미지를 입체화하는 방향과 반대로, 임채홍 작가는 입체에서 평면으로 펼쳐낸 수묵채색화를 고안한다. 그는 붓으로 형상을 그리지 않고, 구겨진 한지에 색을 먹이거나 종이접기로 구획한 면들 위로 채색하는 방식을 고수한다. 이와 같은 형식은 그가 종이를 그림의 바탕이 아닌, 실체가 있는 매스라는 사실을 자각하는 것으로부터 출발한다. 실제 대상을 채색으로 묘사하기보다, 한지를 대상으로 여기고자 덩어리를 주기 위해 구기고 접으며 펼치는 일을 반복한다. 그 과정에서 형성된 주름에 따라 번져간 물감, 그리고 접으면서 분할된 면을 다시 채색하여 최종적으로 추상화와 흡사한 모습으로 둔갑하게 된다. 색이 입혀진 평면 오브제는 관객들에게 온전히 분간할 수 없는 엄숙한 형상으로 비추어지나, 그 정체는 사실 입체로 구축해 보는 과정에서 우발로 주름진 선과 분할된 면이라는 점에서 역설적이다.

— 전시 서문 발췌

Overlap Object

January 18 – 28, 2024
Gallery IN (201, 116 Hongjecheon-ro, Seodaemun-gu, Seoul)
Kim Dasol, Lim Chaehong
Curated by
Text
Graphic Design
Photography
Yang Kichan
 Yang Kichan
Kim Dasol
Yang Ieon
 The verb overlap, meaning to lie over or to be layered upon, refers in film to one of the techniques for transitioning smoothly between cuts. As most of us know, it is an editing method in which, as one scene gives way to the next, the two gradually layer over each other until the previous scene disappears. In reality, the two scenes are situations that took place in separate times and places, yet the technique is used to keep the narrative moving efficiently and seamlessly within the limited time of the cinema. The overlap presented in this exhibition, however, involves materials, forms, and temporalities different from those of film. Not in a theater but here, in a showroom fused with a white cube, overlap is revealed as objects that layer separate dimensions onto the present time and space. The exhibition title, Overlap Object, captures the method of layering that the participating artists (Kim Dasol and Lim Chaehong) frequently repeat in their creative processes, along with the character of the objects that arise from it. The objects they make take forms that move between two-dimensional images and three-dimensional volumes: either volumes built by stacking images (Kim Dasol), or images generated in the process of folding a flat surface into a volume and unfolding it again (Lim Chaehong). Although the two artists differ in their materials and subjects, they share a view that interprets the image, before it is a means of mediation, as a tangible material and a limited surface. Accordingly, each artist seeks to move beyond the physical constraints of the dimension they focus on, either by multiplying images so that they break away from the plane, or, conversely, by highlighting the ambivalence of the flat object.

In contrast to the direction of rendering images three-dimensional described above, Lim Chaehong devises ink-and-color paintings unfolded from three dimensions into two. Rather than drawing forms with a brush, he holds to a method of soaking crumpled hanji with color or painting over planes divided by folding. This approach begins from his awareness that paper is not the ground of a painting but a mass with a substance of its own. Instead of depicting real objects in color, he treats hanji itself as the object, repeatedly crumpling, folding, and unfolding it to give it volume. Through this process, pigment spreads along the creases that form, and the planes divided by folding are painted again, until the work is ultimately transformed into something resembling an abstract painting. The colored flat object appears to viewers as a solemn form that cannot be fully discerned, yet its true identity is paradoxical: it consists of lines accidentally creased and planes divided in the process of trying to build it into three dimensions.

— Excerpt from the exhibition foreword
2023Thesis Presentation
group
〈공〉, 2022, 장지에 수묵, 각 100 × 100 cm
Ball, 2022, Ink on jangji, 100 × 100 cm each
〈기억선〉(스틸), 2022, 단채널 비디오, 흑백, 무음, 13초(루프)
Memory Line (video still), 2022, Single-channel video, B&W, silent, 13 sec (loop)
〈공〉, 2022, 장지에 수묵, 200 × 140 cm(왼쪽), 29.7 × 21 cm(오른쪽)
Ball, 2022, Ink on jangji, 200 × 140 cm (left), 29.7 × 21 cm (right)
〈하늘〉, 2023, 장지에 수묵채색, 각 196.5 × 135.5 cm
Sky, 2023, Ink and color on jangji, 196.5 × 135.5 cm each
〈하늘〉, 2023, 장지에 수묵채색, 가변 크기
Sky, 2023, Ink and color on jangji, Dimensions variable